Le réalisateur américain Cy Endfield), exilé en Grande-Bretagne suite à la « chasse aux sorcières » au temps du maccarthysme, a réalisé avec Zoulou un film de guerre rare et d’une réelle valeur artistique, avec Michael Caine qui y a trouvé son premier grand rôle, même si l’on peut s’interroger sur l’absence de discours réellement critique sur l’impérialisme et le colonialisme européen à la fin du XIXe siècle.
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Romance sur fond de nazisme (encore !), entre une jeune femme devenue « goûteuse » pour le Führer et un lieutenant SS. Les histoires d’amour finissent mal, en général.
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Dans une Egypte rarement montrée ainsi, industrielle et polluée, corrompue et minée par le trafic de drogue, Mohamad Rashad développe une belle histoire d’amour entre deux demi-frères, sublimée par la photographie et des décors très photogéniques, et soutenue discrètement par la sombre musique de Tony Overwater.
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En 2014 Emilie Dequenne triomphait dans un très beau film dramatique de Lucas Belvaux, Pas son genre. Un an après sa mort en 2025, souvenons-nous de la grande actrice qu’elle fut, trop tôt disparue.
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Sur le sentier de randonnée GR 34 près de Saint-Malo, un vieil astrophysicien resté adolescent de coeur revient dans la petite maison de vacances où cinquante ans plus tôt il avait rencontré Marie, son premier amour. Mais que reste-t-il de nos amours ? Aragon l’a écrit : « Est-ce ainsi que les hommes vivent, et leurs baisers au loin les suivent… »
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Le film entend retracer la trajectoire de deux amis : le journaliste Jean Luchaire (et sa fille Corinne) et Otto Abetz, devenu en 1940 ambassadeur d’Hitler à Paris. C’est une plongée dans la déchéance, à laquelle le réalisateur Xavier Giannoli tente en vain de trouver quelque chose qui ressemblerait à des circonstances atténuantes.
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Grâce à un mystérieux ascenseur un jeune garçon découvre un moyen de remonter le temps : il se retrouve en Autriche après l’Anschluss et rencontre une jeune fille juive Hannah et un petit cireur de chaussures Georg. Avec eux il va vivre des aventures et découvrir la réalité du nazisme et de l’antisémitisme dans le Reich hitlérien.
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Dans l’Iran des mollahs, gangrénée par le patriarcat et la corruption, une femme que le destin semble accabler survit aux deuils et aux trahisons des hommes qui l’entourent, surmonte sa colère, et entreprend avec sa soeur d’élever « en homme bien » un fragile nouveau-né, symbole d’une société régénérée qui finira un jour par venir.
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À demain sur la Lune est un documentaire qui explore l’expérience de la fin de vie au sein de l’unité de soins palliatifs de l’hôpital de Calais, où un cheval nommé Peyo rend visite aux patients les plus fragiles pour les apaiser dans leurs derniers jours. Dénué de pathos, jamais triste ni voyeur, il nous interroge sur notre rapport à la mort et à la finitude de la condition humaine.
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Avec un art subtil, accompagné par la merveilleuse musique de Ravel qui donne son nom au film, Miroirs no 3 montre la rencontre de deux femmes désespérées, qui va les mener toutes deux sur le chemin de la rédemption. C’est un nouveau grand film du réalisateur Christian Petzold.
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Alors que la Russie lance son invasion de l’Ukraine, les écoles sont transformées en centres de recrutement pour la guerre. Confronté au dilemme éthique de travailler dans un système défini par la propagande et la violence, un modeste enseignant et vidéaste, Pavel Talankin, filme la militarisation des esprits dans sa petite ville de l’Oural.
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Premier long métrage de Guillaume Renusson, Les Survivants entend dénoncer la politique de contrôle des migrants aux frontières intérieures de l’espace Schengen. Pour cela la forme adoptée (ce n’est pas un thriller mais un brouet confus qui se traîne, entre western et pamphlet) importe peu.
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A partir du cas d’un immeuble situé 209 rue Saint-Maur dans le Xe arrondissement de Paris, Ruth Zylberman fait revivre dans un film d’une grande qualité artistique, d’une grande sensibilité et surtout au prix d’un travail de recherche historique rigoureux et méthodique, la mémoire de famille juives déportées par le régime de Vichy qui s’était mis au service des nazis.
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Dans son nouveau film Le Chant des forêts, Vincent Munier tente de communiquer son émerveillement devant la forêt vosgienne dont la biodiversité est menacée, comme en témoigne la disparition du Grand Tétras. Mais l’exercice reste scolaire et passablement ennuyeux, malgré la beauté des images.
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Aux confins occidentaux de l’Allemagne, sur une petite île frisonne perdue où la nature flamboie au printemps 1945, Fatih Akin filme l’agonie du IIIe Reich et la prise de conscience d’un jeune garçon : lui qui vient de Hambourg, il se rend compte qu’il n’est qu’un étranger pour les habitants de l’île et que la propagande à laquelle il a été soumis (de la part de ses parents nazis entre autre) n’était que mensonge. Violence et beauté du monde cohabitent dans un film infiniment poétique.
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Adaptation du roman éponyme de Fumiko Hayashi (1903-1951), Nuages flottants est le portrait tout en finesse d’un couple que la guerre a réuni et que la défaite du Japon a séparé. Dans un pays en ruine et une société patriarcale et machiste, une femme (Yukiko) essaie d’arracher son ancien amant (Tomioka) à son cynisme et à son désespoir. Cheminant à ses côtés sans parvenir longtemps à le sortir de sa torpeur, elle n’y parviendra que juste avant de mourir, laissant Tomioka, enfin lucide, aussi déchiré que Zampano dans La Strada de Fellini.
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Dans la Chine de Xi Jinping (dont les aspects problématiques ne sont pas évacués : spéculation immobilière, destruction du bâti ancien, exploitation de la main d’œuvre, solitude et difficultés de communication entre les êtres), un couple entreprend d’assurer à son fils unique une formation musicale optimale en Europe (Estonie). Les deux parents, étonnants de naturel devant la caméra, n’hésitent pas à se dire tout (la femme à son mari par exemple) et témoignent de l’amour extraordinaire qu’ils portent à leur fils. Leur détermination est impressionnante, comme leur dignité.
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Bizarre drame fantastique allégorique, Dans l’ombre de Marlow (film français à très petit budget) semble marcher dans les pas de David Lynch mais sans en posséder aucunement le talent. On suit avec peine la déambulation d’une jeune femme qui semble marquée par un traumatisme familial et cherche à déposer le manuscrit du livre qu’elle en aurait tiré dans une mystérieuse « Boîte » perdue en plein désert espagnol, en échappant à un mystérieux tueur masqué comme sorti d’un film de Sergio Leone.
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Ce film d’Alan J. Pakula (1974), deux années avant son grand succès Les Hommes du président (1976), reflète les doutes d’une partie contestataire de la société américaine sur l’intégrité du système, après de nombreux et mystérieux assassinats politiques (Kennedy et son frère Bob, Martin Luther King), et ses craintes d’un complot ou de manipulations contre la démocratie. D’où un thriller politique volontiers paranoïaque.
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Film à la sidérante beauté visuelle et musicale, 2001, L’Odyssée de l’espace est une réalisation à nulle autre pareille, fruit de l’ambition démesurée de son créateur Stanley Kubrick en 1968. De « l’aube de l’humanité » aux premiers vols spatiaux, il soulève (sans fournir aucune clé assurée d’interprétation) d’innombrables questions sur ce qu’est l’humanité et sa place dans l’univers, sur notre rapport à l’outil et à la machine. Courons nous à notre perte ou faut-il espérer « l’éternel retour » ?
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Merveilleusement servi par des interprètes de premier plan (Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders) sur une musique inoubliable de Bernard Herrmann, L’Aventure de Madame Muir reste un chef d’œuvre inégalé du Septième art, un film d’une intrigante beauté, et une méditation profondément poétique sur le rêve et la réalité, et sur l’inexorable passage du temps.
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Cette adaptation partielle de l’Odyssée d’Homère se signale surtout par ses faiblesses. Elle reprend l’idée du retour impossible du guerrier, trop marqué par ce qu’il a fait ou vécu pour pouvoir se réinsérer dans la vie normale, et qu’écrase un sentiment de culpabilité pour les crimes accomplis. Il ne reste rien du mythe de l’industrieux Ulysse, déterminé à reconquérir femme, enfant et royaume.
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Avec empathie et humour le réalisateur Andreas Dresen a rendu hommage à un auteur-compositeur de grand talent, communiste resté par choix dans l’ex-RDA mineur dans un site d’excavation du lignite, mais que ses convictions politiques ont conduit à se compromettre avec la Stasi.
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Eblouissement visuel et sonore, Les Chevaux de feu du cinéaste Sergueï Paradjanov présente dans un tourbillon d’images inégalé une histoire d’amour fou dans les Carpates à l’époque de l’empereur François Joseph. C’est un drame poétique qui n’a guère d’équivalent dans l’histoire du cinéma mondial.
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Comment survivre dans le ghetto de Varsovie, ensuite vidé par les nazis en 1942-1943, puis vivre coupé du monde après pendant des mois: c’est ce que montre le film de Roman Polanski à partir de l’expérience du pianiste Władysław Szpilman dans un film aussi bouleversant qu’éclairant sur la nature profonde de l’humanité.
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Une prostituée cache le jeune fils d’une amie juive dans sa chambre, dans une maison close en Ukraine occupée par les Allemands (entre 1942 et 1944). Le jeune garçon va devoir surmonter son désespoir, en se réfugiant d’abord dans ses souvenirs, puis en s’attachant à sa protectrice, qui ne se sauvera pas au départ des Allemands remplacés par les Soviétiques. Mais elle lui aura donné son amour.
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Quatre-vingt ans après le massacre par de jeunes Waffen-SS de 86 civils dans le village d’Ascq près de Lille en avril 1944, Germain et Robin Aguesse donnent la parole à quatre témoins, enfants ou adolescents à l’époque. Au récit précis des faits ce film ajoute le portrait de trois femmes et d’un homme qui ont dû, chacune ou chacun à sa manière, surmonter un évènement profondément traumatique.
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Le sentiment du temps qui passe imprègne tous les films du réalisateur suédois Ingmar Bergman, particulièrement dans Les Fraises sauvages (1957), où Bergman dresse un portrait sans concession d’un éminent professeur d’université qui a raté sa vie (comme Bergman pensait l’avoir fait de la sienne en privilégiant sa création artistique).
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La musique peut aussi servir à évoquer les morts et faire resurgir le passé.Adaptant le roman de Pascal Quignard, Alain Corneau réussit à faire en 1991 un grand succès populaire d’un film sur un obscur violiste du XVIIe siècle, Monsieur de Sainte-Colombe, un musicien austère, rejetant le faste de la Cour du Roi Soleil: grâce au pouvoir évocateur de la musique baroque et à une nature morte énigmatique
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Le réalisateur suisse Tim Fehlbaum a entrepris de retracer la première expérience de reportage d’information en continu, réalisée le 5 septembre 1972 par la chaîne de télévision américaine ABC à l’occasion de la prise d’otage de onze athlètes israéliens dans le village olympique de Munich par un commando palestinien affilié à l’organisation Septembre noir. Malheureusement le résultat n’est pas à la hauteur de cette tragédie.
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Un documentaire poignant (et militant) sur un centre de redressement pour mineurs dans les années 1950/1960.
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Leni Riefensthal (1902-2003), opportuniste sans scrupule, a été une documentariste douée et un « compagnon de route » du nazisme, sans jamais le regretter jusqu’à la fin de sa très longue vie.
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Les films de Stephen Frears mettent en valeur avec ironie de beaux portraits de femme en butte aux préjugés sexistes et aux mépris des élites
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Les troubles du stress post-traumatique ont changé l’acteur James Stewart
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Une réflexion sur le mystère d’être un homme ou une femme, en quête d’échanges et d’épanouissement personnel.
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Malgré certains défaut, un film entrainant qui réussit à retranscrire l’atmosphère et la complexité d’une époque étrange.
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Focus en quatre films sur une production cinématographique germanique trop rarement mise en avant.
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