Merveilleusement servi par des interprètes de premier plan (Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders) sur une musique inoubliable de Bernard Herrmann, L’Aventure de Madame Muir reste un chef d’œuvre inégalé du Septième art, un film d’une intrigante beauté, et une méditation profondément poétique sur le rêve et la réalité, et sur l’inexorable passage du temps.
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En 1958, alors dans la phase de postproduction de son film et sous la pression des studios Universal qualifiant l’oeuvre de « provocatrice », Orson Welles, assiste, impuissant, à la refonte de sa mise en scène de La soif du mal. La puissance suggestive de ce qui constituera son « chant du cygne hollywoodien » a scellé définitivement son sort dans un bannissement virtuel. A sa sortie, les critiques n’ont pas su voir à quel point le cinéaste était visionnaire et en avance sur son temps. Ils jugent la mise en scène inaboutie et peu substantielle. En 1998, soit 40 ans plus tard et 13 ans après la disparition de son metteur en scène mythique, sur ses directives, une version longue sort qui restitue à la noirceur terminale de ce « pulp thriller » toute la démesure shakespearienne voulue par l’auteur. Réévaluation…
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Lundi 7 juillet, au cours d’une cérémonie à la cinémathèque française, un long métrage et un court métrage se verront attribués le prix Jean Vigo, 2025. Wang Bing sera également récompensé pour l’ensemble de son œuvre.
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Cette adaptation partielle de l’Odyssée d’Homère se signale surtout par ses faiblesses. Elle reprend l’idée du retour impossible du guerrier, trop marqué par ce qu’il a fait ou vécu pour pouvoir se réinsérer dans la vie normale, et qu’écrase un sentiment de culpabilité pour les crimes accomplis. Il ne reste rien du mythe de l’industrieux Ulysse, déterminé à reconquérir femme, enfant et royaume.
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« Regardez le soleil ! »
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Avec empathie et humour le réalisateur Andreas Dresen a rendu hommage à un auteur-compositeur de grand talent, communiste resté par choix dans l’ex-RDA mineur dans un site d’excavation du lignite, mais que ses convictions politiques ont conduit à se compromettre avec la Stasi.
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Espion bagareur, borné, mais bigrement dévoué, le Gorille déboule sans crier gare. Deux voyages dans un versant quelque peu oublié du patrimoine cinématographique français.
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Eblouissement visuel et sonore, Les Chevaux de feu du cinéaste Sergueï Paradjanov présente dans un tourbillon d’images inégalé une histoire d’amour fou dans les Carpates à l’époque de l’empereur François Joseph. C’est un drame poétique qui n’a guère d’équivalent dans l’histoire du cinéma mondial.
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Pierre Richard et Jane Birkin font des étincelles dans l’univers burlesque de Claude Zidi.
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Imagine une maison.
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Les comédies d’Ernst Lubitsch n’accusent aucun stigmate de l’âge; bien au contraire. Et rien ne saurait entacher le plaisir à nul autre pareil de les revoir sans modération. On aura pu s’en rendre compte lors de la foisonnante rétrospective que lui a consacré la cinémathèque française en mars-avril derniers. Le présent tableau synoptique balaie une production prolifique depuis ses débuts comme simple « hallebardier » au sein de la troupe du dramaturge Max Reinhardt jusqu’à l’apogée de son style qu’il maîtrise à la perfection en « Deus ex machina » providentiel sur un plateau de tournage. Présumant de ses forces, il décèdera prématurément d’une crise cardiaque à 55 ans en 1948; interrompant brutalement une carrière des plus trépidante.
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Sur la rive gauche de l’Ourcq.
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Des mouchoirs et des portables : la nouvelle balance de la Croisette.
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Affreux, drôle et saignant. Un body horror déjanté et jubilatoire, dans la pure lignée de l’Ozploitation.
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Trois plongées dans l’univers d’Alan Rudolph, peintre des illusions au style sophistiqué et vaporeux.
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Comment survivre dans le ghetto de Varsovie, ensuite vidé par les nazis en 1942-1943, puis vivre coupé du monde après pendant des mois: c’est ce que montre le film de Roman Polanski à partir de l’expérience du pianiste Władysław Szpilman dans un film aussi bouleversant qu’éclairant sur la nature profonde de l’humanité.
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Une prostituée cache le jeune fils d’une amie juive dans sa chambre, dans une maison close en Ukraine occupée par les Allemands (entre 1942 et 1944). Le jeune garçon va devoir surmonter son désespoir, en se réfugiant d’abord dans ses souvenirs, puis en s’attachant à sa protectrice, qui ne se sauvera pas au départ des Allemands remplacés par les Soviétiques. Mais elle lui aura donné son amour.
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Quatre-vingt ans après le massacre par de jeunes Waffen-SS de 86 civils dans le village d’Ascq près de Lille en avril 1944, Germain et Robin Aguesse donnent la parole à quatre témoins, enfants ou adolescents à l’époque. Au récit précis des faits ce film ajoute le portrait de trois femmes et d’un homme qui ont dû, chacune ou chacun à sa manière, surmonter un évènement profondément traumatique.
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Dans la collection Westen de légende, deux raretés riches d’intérêt.
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Interview de Jeanne Frommer, programmatrice du Festival.
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Le sentiment du temps qui passe imprègne tous les films du réalisateur suédois Ingmar Bergman, particulièrement dans Les Fraises sauvages (1957), où Bergman dresse un portrait sans concession d’un éminent professeur d’université qui a raté sa vie (comme Bergman pensait l’avoir fait de la sienne en privilégiant sa création artistique).
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Eva Tourrent, responsable artistique et coordonnatrice de la programmation nous présente la plateforme documentaire TËNK et sa nouvelle offre.
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La musique peut aussi servir à évoquer les morts et faire resurgir le passé.Adaptant le roman de Pascal Quignard, Alain Corneau réussit à faire en 1991 un grand succès populaire d’un film sur un obscur violiste du XVIIe siècle, Monsieur de Sainte-Colombe, un musicien austère, rejetant le faste de la Cour du Roi Soleil: grâce au pouvoir évocateur de la musique baroque et à une nature morte énigmatique
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Interview de Gaëlle Rodeville, programmatrice du FestivaL
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Expositions et remise des prix
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Entretien avec Gabriel Soucheyre et immersion au cœur de la 40ème édition
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La plateforme SVOD Tënk, spécialisée dans le documentaire, a donné une carte blanche à Ovidie Cette artiste, qui interroge depuis plus de vingt ans nos rapports au corps, à l’intime et aux représentations, a sélectionné trois films qui donnent la parole à des individus trop souvent ignorés.
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Grain Urbain première édition, retour critique
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Le réalisateur suisse Tim Fehlbaum a entrepris de retracer la première expérience de reportage d’information en continu, réalisée le 5 septembre 1972 par la chaîne de télévision américaine ABC à l’occasion de la prise d’otage de onze athlètes israéliens dans le village olympique de Munich par un commando palestinien affilié à l’organisation Septembre noir. Malheureusement le résultat n’est pas à la hauteur de cette tragédie.
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À l’image des New York Film Critics Circle Awards, Los Angeles Film Critics Association Awards ou London Critics Film Awards, les Paris Film Critics Awards récompensent chaque année le meilleur du cinéma mondial.
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Interview du fondateur du festival GRAIN URBAIN : Antonin Mechler
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Un documentaire poignant (et militant) sur un centre de redressement pour mineurs dans les années 1950/1960.
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Toute la filmographie de Satyajit Ray est innervée par cette constante dualité entre l’intériorité du microcosme domestique et l’expansion stérilisante du monde environnant. La maison et le monde ne fait pas exception qui dépeint une société indienne tiraillée entre l’héritage colonial d’une tutelle britannique et son légitime accès à l’indépendance sur fond de clashs religieux entre Hindous et Musulmans. La sphère conjugale voisine ainsi avec la sphère politique. De même, cette coexistence omniprésente de la féminité et de la mère patrie déifiée à travers elle. Retour sur ce film fondateur à réhabiliter.
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Le Festival qui lutte contre toutes les formes de discrimination aura lieu au Luminor,Paris 4eme, du 31 janvier au 2 février. Invitée d’honneur Céline Sallette.
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En incendiant la pagode dorée de Kyoto, relique architecturale, un jeune bonze expérimente une catharsis intérieure et la purgation des traumatismes qu’il a vécus jusqu’alors. Adaptant librement le roman de Yukio Mishima dans un scope noir et blanc éclairant le côté sombre du personnage, Kon Ichikawa suit l’itinéraire d’apprentissage torturant qui a conduit son antihéros à commettre l’irréparable.
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Avec « La classe ouvrière va au paradis », Elio Petri livre un pamphlet kafkaïen sur l’effondrement des utopies du changement au sein de la mouvance ouvrière. Le panorama est sombre à une époque où l’on pouvait encore croire dans la possibilité d’un compromis politique et idéologique entre le prolétariat et les étudiants extrémistes militants en tant que ferment révolutionnaire. A l’aube des années 70, le cinéaste force à dessein le trait d’une aliénation au travail confrontée aux normes de productivité. Analyse…
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L’année cinématographique 2024, comme 2022 et 2023, aura été dense et mémorable… L’équipe de rédaction de notre webzine vous en partage – en toute subjectivité – quelques lignes de force.
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Leni Riefensthal (1902-2003), opportuniste sans scrupule, a été une documentariste douée et un « compagnon de route » du nazisme, sans jamais le regretter jusqu’à la fin de sa très longue vie.
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L’ héroïque monsieur Boniface, Boniface somnambule, L’armoire volante : trois superbes restauration pour le plus grand plaisir de retrouver Fernandel.
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Par la satire sociale, cette comédie de moeurs tourne en dérision les travers de l’institution maritale. Entre Cendrillon et Le Roi Lear, la pochade étrille la misogynie patriarcale à travers la figure tutélaire de butor histrionique joué avec force cabotinage par Charles Laughton. Falstaffien en coffret dvd blue-ray.
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Premier livre de La Forge, collection cinéma des éditions Le Feu Sacré.
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Les films de Stephen Frears mettent en valeur avec ironie de beaux portraits de femme en butte aux préjugés sexistes et aux mépris des élites
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Les troubles du stress post-traumatique ont changé l’acteur James Stewart
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Difficile de passer à côté d’un film qui dépasse les dix millions d’entrée en salle. Et, pourtant, si . Sa diffusion sur Canal Plus nous permet de se pencher sur ce succès et de prolonger notre réflexion sur d’autres considérations liées à la notion de reconnaissance.
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Une réflexion sur le mystère d’être un homme ou une femme, en quête d’échanges et d’épanouissement personnel.
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Malgré certains défaut, un film entrainant qui réussit à retranscrire l’atmosphère et la complexité d’une époque étrange.
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Une réflexion profonde sur les maux qui menacent nos sociétés promptes à se laisser guider par l’irrationnel et les présupposés.
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Focus en quatre films sur une production cinématographique germanique trop rarement mise en avant.
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Le cinéma incandescent de Max Ophüls traduit la perte nostalgique d’un monde finissant selon un romantisme exacerbé où tout commence en chansons et par des valses d’Offenbach ou de Strauss et se termine sur une note tragique. La preuve par trois films : « Sans lendemain » (1939), « Madame de… »1953) et « Le Plaisir » (1952).
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