Dans son « cinéma club » du MK2 Beaubourg, Hélène Frappat, ancienne critique des Cahiers, parle des processus de « cadavérisation » des femmes, horrifiants et envoûtants, muséaux et momifiants.
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Gilles Deleuze disait être des meutes, des hordes. 100 ans après sa naissance et 40 ans après sa mort, que sont devenus les Gilles Deleuzes ?
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Récompensé à Cannes par la palme d’or pour 4 mois, 3 semaines, 2 jours et par le prix de la mise en scène pour R.M.N., Cristian Mungiu nous a accordé un grand interview, dans le cadre du Festival Un week-end à l’Est, dont il est le parrain cette année.
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« Running Man », la quatrième adaptation de Stephen King de cette année, sort aujourd’hui en salles. L’occasion de revenir sur un millésime horrifique et ce qu’il nous dit de notre présent.
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A Paris, du 18 novembre au 1er décembre, la 9e édition du festival met cette année en avant le cinéma roumain avec comme invité d’ honneur Cristian Mungiu.
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Un très beau livre illustré pour tout savoir sur les affiches du cinéma français…
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Une série inoubliable dont tous les attraits sont encore intacts.
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Cyril Morin s’est entretenu avec nous à l’occasion de la sortie de son album « 25 years », une compilation de ses meilleures compositions pour le cinéma et la télévision : Samsara, La fiancée Syrienne, Borgia…
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Adaptation du roman éponyme de Fumiko Hayashi (1903-1951), Nuages flottants est le portrait tout en finesse d’un couple que la guerre a réuni et que la défaite du Japon a séparé. Dans un pays en ruine et une société patriarcale et machiste, une femme (Yukiko) essaie d’arracher son ancien amant (Tomioka) à son cynisme et à son désespoir. Cheminant à ses côtés sans parvenir longtemps à le sortir de sa torpeur, elle n’y parviendra que juste avant de mourir, laissant Tomioka, enfin lucide, aussi déchiré que Zampano dans La Strada de Fellini.
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A mi-chemin entre Mission impossible et Amicalement vôtre, une perle des séries télé de la fin des années soixante dont on avait, jusqu’à cette édition, oublié le charme.
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Dans la Chine de Xi Jinping (dont les aspects problématiques ne sont pas évacués : spéculation immobilière, destruction du bâti ancien, exploitation de la main d’œuvre, solitude et difficultés de communication entre les êtres), un couple entreprend d’assurer à son fils unique une formation musicale optimale en Europe (Estonie). Les deux parents, étonnants de naturel devant la caméra, n’hésitent pas à se dire tout (la femme à son mari par exemple) et témoignent de l’amour extraordinaire qu’ils portent à leur fils. Leur détermination est impressionnante, comme leur dignité.
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Humour, action, violence et sexe : une recette gagnante pour ce trépident néo- polar italien.
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Retour de festival : Qu’est-ce qui fait courir Silhouette ?
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Bizarre drame fantastique allégorique, Dans l’ombre de Marlow (film français à très petit budget) semble marcher dans les pas de David Lynch mais sans en posséder aucunement le talent. On suit avec peine la déambulation d’une jeune femme qui semble marquée par un traumatisme familial et cherche à déposer le manuscrit du livre qu’elle en aurait tiré dans une mystérieuse « Boîte » perdue en plein désert espagnol, en échappant à un mystérieux tueur masqué comme sorti d’un film de Sergio Leone.
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Au cœur de la décennie Mia Farrow (1982-1992) Woody Allen, va obtenir l’un de ses plus grands succès populaires avec La rose pourpre du Caire et signer une ses œuvres les plus abouties avec Hannah et ses sœurs.
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Ce film d’Alan J. Pakula (1974), deux années avant son grand succès Les Hommes du président (1976), reflète les doutes d’une partie contestataire de la société américaine sur l’intégrité du système, après de nombreux et mystérieux assassinats politiques (Kennedy et son frère Bob, Martin Luther King), et ses craintes d’un complot ou de manipulations contre la démocratie. D’où un thriller politique volontiers paranoïaque.
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Deux flics que tout oppose au cœur de la lutte antigang pour redonner des couleurs à la cité des Anges.
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Actrice hollywoodienne consacrée et cinéaste militante féministe farouchement déterminée à s’émanciper des codes de production de l’usine à rêves hollywoodienne, Ida Lupino s’est taillée une place à part après Dorothy Azner au sein d’une industrie cinématographique américaine notoirement patriarcale et machiste. Son statut hybride d’actrice et de réalisatrice indépendante engagée lui confère une aura peu commune. Elle reste la seule réalisatrice de son temps à avoir embrassé une carrière double. La cinémathèque française vient de lui consacrer un cycle rétrospectif. Aperçu du versant cinéaste..
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Haute-voltige branchée sur 100 000 volts. Le tandem Tsui Hark Jet Li pour deux concentrés de pur divertissement.
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Dans sa collection Western de Légende, Sidonis Calysta nous offre deux foisonnantes aventures dans la grande épopée de l’ Ouest.
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Film à la sidérante beauté visuelle et musicale, 2001, L’Odyssée de l’espace est une réalisation à nulle autre pareille, fruit de l’ambition démesurée de son créateur Stanley Kubrick en 1968. De « l’aube de l’humanité » aux premiers vols spatiaux, il soulève (sans fournir aucune clé assurée d’interprétation) d’innombrables questions sur ce qu’est l’humanité et sa place dans l’univers, sur notre rapport à l’outil et à la machine. Courons nous à notre perte ou faut-il espérer « l’éternel retour » ?
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Passion, action, trahison : une bonne vielle recette qui réussit à nous surprendre.
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Merveilleusement servi par des interprètes de premier plan (Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders) sur une musique inoubliable de Bernard Herrmann, L’Aventure de Madame Muir reste un chef d’œuvre inégalé du Septième art, un film d’une intrigante beauté, et une méditation profondément poétique sur le rêve et la réalité, et sur l’inexorable passage du temps.
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En 1958, alors dans la phase de postproduction de son film et sous la pression des studios Universal qualifiant l’oeuvre de « provocatrice », Orson Welles, assiste, impuissant, à la refonte de sa mise en scène de La soif du mal. La puissance suggestive de ce qui constituera son « chant du cygne hollywoodien » a scellé définitivement son sort dans un bannissement virtuel. A sa sortie, les critiques n’ont pas su voir à quel point le cinéaste était visionnaire et en avance sur son temps. Ils jugent la mise en scène inaboutie et peu substantielle. En 1998, soit 40 ans plus tard et 13 ans après la disparition de son metteur en scène mythique, sur ses directives, une version longue sort qui restitue à la noirceur terminale de ce « pulp thriller » toute la démesure shakespearienne voulue par l’auteur. Réévaluation…
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Lundi 7 juillet, au cours d’une cérémonie à la cinémathèque française, un long métrage et un court métrage se verront attribués le prix Jean Vigo, 2025. Wang Bing sera également récompensé pour l’ensemble de son œuvre.
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Cette adaptation partielle de l’Odyssée d’Homère se signale surtout par ses faiblesses. Elle reprend l’idée du retour impossible du guerrier, trop marqué par ce qu’il a fait ou vécu pour pouvoir se réinsérer dans la vie normale, et qu’écrase un sentiment de culpabilité pour les crimes accomplis. Il ne reste rien du mythe de l’industrieux Ulysse, déterminé à reconquérir femme, enfant et royaume.
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« Regardez le soleil ! »
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Avec empathie et humour le réalisateur Andreas Dresen a rendu hommage à un auteur-compositeur de grand talent, communiste resté par choix dans l’ex-RDA mineur dans un site d’excavation du lignite, mais que ses convictions politiques ont conduit à se compromettre avec la Stasi.
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Espion bagareur, borné, mais bigrement dévoué, le Gorille déboule sans crier gare. Deux voyages dans un versant quelque peu oublié du patrimoine cinématographique français.
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Eblouissement visuel et sonore, Les Chevaux de feu du cinéaste Sergueï Paradjanov présente dans un tourbillon d’images inégalé une histoire d’amour fou dans les Carpates à l’époque de l’empereur François Joseph. C’est un drame poétique qui n’a guère d’équivalent dans l’histoire du cinéma mondial.
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Pierre Richard et Jane Birkin font des étincelles dans l’univers burlesque de Claude Zidi.
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Imagine une maison.
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Les comédies d’Ernst Lubitsch n’accusent aucun stigmate de l’âge; bien au contraire. Et rien ne saurait entacher le plaisir à nul autre pareil de les revoir sans modération. On aura pu s’en rendre compte lors de la foisonnante rétrospective que lui a consacré la cinémathèque française en mars-avril derniers. Le présent tableau synoptique balaie une production prolifique depuis ses débuts comme simple « hallebardier » au sein de la troupe du dramaturge Max Reinhardt jusqu’à l’apogée de son style qu’il maîtrise à la perfection en « Deus ex machina » providentiel sur un plateau de tournage. Présumant de ses forces, il décèdera prématurément d’une crise cardiaque à 55 ans en 1948; interrompant brutalement une carrière des plus trépidante.
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Sur la rive gauche de l’Ourcq.
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Des mouchoirs et des portables : la nouvelle balance de la Croisette.
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Affreux, drôle et saignant. Un body horror déjanté et jubilatoire, dans la pure lignée de l’Ozploitation.
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Trois plongées dans l’univers d’Alan Rudolph, peintre des illusions au style sophistiqué et vaporeux.
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Comment survivre dans le ghetto de Varsovie, ensuite vidé par les nazis en 1942-1943, puis vivre coupé du monde après pendant des mois: c’est ce que montre le film de Roman Polanski à partir de l’expérience du pianiste Władysław Szpilman dans un film aussi bouleversant qu’éclairant sur la nature profonde de l’humanité.
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Une prostituée cache le jeune fils d’une amie juive dans sa chambre, dans une maison close en Ukraine occupée par les Allemands (entre 1942 et 1944). Le jeune garçon va devoir surmonter son désespoir, en se réfugiant d’abord dans ses souvenirs, puis en s’attachant à sa protectrice, qui ne se sauvera pas au départ des Allemands remplacés par les Soviétiques. Mais elle lui aura donné son amour.
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Quatre-vingt ans après le massacre par de jeunes Waffen-SS de 86 civils dans le village d’Ascq près de Lille en avril 1944, Germain et Robin Aguesse donnent la parole à quatre témoins, enfants ou adolescents à l’époque. Au récit précis des faits ce film ajoute le portrait de trois femmes et d’un homme qui ont dû, chacune ou chacun à sa manière, surmonter un évènement profondément traumatique.
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Dans la collection Westen de légende, deux raretés riches d’intérêt.
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Interview de Jeanne Frommer, programmatrice du Festival.
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Le sentiment du temps qui passe imprègne tous les films du réalisateur suédois Ingmar Bergman, particulièrement dans Les Fraises sauvages (1957), où Bergman dresse un portrait sans concession d’un éminent professeur d’université qui a raté sa vie (comme Bergman pensait l’avoir fait de la sienne en privilégiant sa création artistique).
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Eva Tourrent, responsable artistique et coordonnatrice de la programmation nous présente la plateforme documentaire TËNK et sa nouvelle offre.
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La musique peut aussi servir à évoquer les morts et faire resurgir le passé.Adaptant le roman de Pascal Quignard, Alain Corneau réussit à faire en 1991 un grand succès populaire d’un film sur un obscur violiste du XVIIe siècle, Monsieur de Sainte-Colombe, un musicien austère, rejetant le faste de la Cour du Roi Soleil: grâce au pouvoir évocateur de la musique baroque et à une nature morte énigmatique
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Interview de Gaëlle Rodeville, programmatrice du FestivaL
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Expositions et remise des prix
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Entretien avec Gabriel Soucheyre et immersion au cœur de la 40ème édition
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La plateforme SVOD Tënk, spécialisée dans le documentaire, a donné une carte blanche à Ovidie Cette artiste, qui interroge depuis plus de vingt ans nos rapports au corps, à l’intime et aux représentations, a sélectionné trois films qui donnent la parole à des individus trop souvent ignorés.
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