A New York, Jesse Eisenberg est un jeune juif hassidique qui aspire à des jours meilleurs. Sa solution ? Le trafic de drogue. « Jewish Connection », tendance film de mafieux, et bien plus encore.
Sam a 20 ans. Juif hassidique, issu d’un milieu modeste, il aide laborieusement son père à vendre des tissus dans Brooklyn et supporte mal sa condition sociale. Persuadé que la richesse est la clé de tout, il accorde une importance excessive à l’argent et à l’image qu’il renvoie. Il joue ainsi les mules dans un trafic d’ecstasy vers Amsterdam avant de devenir dealer lui-même. Une fois riche et indépendant mais renié par les siens, il se retrouve isolé.
D’emblée dans Jewish Connection, on est assailli par les souvenirs de polars, de films de mafieux et de gangsters. Si le film est noir, la photo tire vers le brun. Des tons chaleureux, humanistes, des images naturelles et familiales, proches de films et de clichés photographiques des années 1970-1980, parmi ceux qui subliment New York et qui tissent instantanément un lien émotionnel entre le spectateur et l’intrigue.
Ce lien émotionnel provient aussi des thèmes abordés par le long-métrage de Kevin Asch. Des thèmes qui là encore sont des constantes des films de mafieux, de gangsters. L’argent, le désir d’ascension sociale, le doute, la jalousie, le poids de la famille, la foi et la moralité sont les moteurs de ces films comme de Jewish Connection. « Celui qui a un désir d’argent est toujours endetté », avance un rabbin dès le début de l’intrigue. L’homme énonce une indéniable vérité : il y a pire que l’endettement matériel. Irrémédiablement obsédé par l’argent, les sous, le fric, le flouze, le pèse, clé de sa place dans la société selon lui, Sam s’endette moralement auprès de sa famille et de sa communauté, au fur et à mesure qu’il s’enrichit cédant aux facilités du trafic de drogue. Rites et traditions religieuses à l’appui, l’homme et ses faiblesses sont ainsi au cœur de cette histoire inspirée de faits réels.
Le contraste entre la mise en scène, volontairement étriquée, de la vie quotidienne du jeune Sam, filmé sur le vif au sein de sa famille et de la synagogue, et de celle de son implication dans le trafic de drogue est saisissant. Jeune juif choyé en dépit de la simplicité de ses origines et de la rigueur religieuse qui l’oppresse parfois, ce personnage est au début filmé de face en pleine lumière. A l’inverse, dès son premier voyage à Amsterdam, le jeune homme est à contre jour dans l’aéroport, saisi en plan large parmi d’autres. Il n’est déjà plus Sam mais un trafiquant comme un autre, juste repérable à ses papillotes, seul élément qui le raccroche encore à son passé.
Trafiquant, Sam est peut-être sur la pente de Monsieur-tout-le-monde, mais pas son interprète, Jesse Eisenberg qui lui donne de bout en bout une crédibilité et une énergie haletante. Déjà dans The Social Network de David Fincher, l’acteur américain de 27 ans s’imposait, brillamment arrogant. A l’écran ici, tour à tour naïf adolescent et jeune trafiquant ambitieux aveuglé et éprouvé par l’appât du gain, il exerce sur nous une certaine fascination.
Si l’intrigue s’inscrit dans un contexte bien particulier, celui de la communauté juive hassidique, elle n’en reste pas moins universelle et conte les difficultés du passage à l’âge adulte, ses doutes, l’inexpérience et la vie rêvée.
Avec Rashômon, le scepticisme moral d’Akira Kurosawa interrogeait déjà, de manière éloquente, les faits du passé. Dans une théâtralité avouée, des benshis (récitants) évoquent rétrospectivement la même anecdote et ce récit en abîme et en forme d’échos reconduisait une vérité narrative à jamais insaisissable.
« Le jardin des Finzi Contini » est un film sur la mémoire suspendue et le temps retrouvé. C’est une œuvre impérissable qui est le véritable chant du cygne du « commandatore » Vittorio de Sica. Eblouissant d’émotion contenue dans sa version restaurée.
Adapté librement du roman de Vasco Pratolini, « Cronaca familiare » (chronique familiale), « Journal intime » est considéré à juste titre par la critique comme le chef d’œuvre superlatif de Zurlini. Par une purge émotionnelle, le cinéaste par excellence du sentiment rentré décante une relation fraternelle et en crève l’abcès mortifère.
« Eté violent » est le fruit d’une maturité filmique. Affublé d’une réputation de cinéaste difficilement malléable, Zurlini traverse des périodes tempétueuses où son travail n’est pas reconnu à sa juste valeur. Cet été
violent est le produit d’un hiatus de trois ans. Le film traite d’une année-charnière qui voit la chute du fascisme tandis que les bouleversements socio-politiques qui s’ensuivent dans la péninsule transalpine condensent une imagerie qui fait sa richesse.
Antithèse du drame épique dans son refus du spectaculaire, « Le désert des Tartares » apparaît comme une œuvre à combustion lente, chant du cygne de Valerio Zurlini dans son adaptation du roman éponyme de Dino Buzzati. Mélodrame de l’étiquette militaire, le film offre un écrin visuel grandiose à la lancinante déshumanisation qui s’y joue ; donnant corps à l’abstraction surréaliste de Buzzati.
