On pourrait écrire sur Les Saveurs du palais à coups de métaphores culinaires mais on préfère éviter, parce que la digestion s’avère extrêmement difficile. Catherine Frot est Hortense et, dis donc, qu’est-ce qu’elle a l’air de bien incarner la France. La France de papi, oui. Et son prénom « bien du pays », ce n’est rien face à tout ce qui va être déblatéré tout au long du film. D’une séquence à l’autre, on se demande comment Jean d’Ormesson tient encore debout. Il n’a rien d’un Président, encore moins d’un acteur. D’un académicien, à la rigueur. Hortense est la digne représentante d’un nationalisme écœurant, ce côté vieille France exacerbé faisant d’elle une femme qui cherche à s’affirmer dans un monde de machos, de requins aux ventres lourds. Rien n’est moins angoissant qu’une série de clichés mal exploités. En bonne provinciale qu’elle est, Hortense va aider le Président à retrouver le goût d’antan, la cuisine de sa grand-mère. « Donnez-moi le meilleur de la France ! » s’exclame Jean d’Ormesson. Grand Dieu. Après sa période de cuisinière à l’Elysée, Hortense est partie s’exiler très loin, accompagnant pendant une année une équipe de marins. Elle leur fait la cuisine, elle devient proche d’eux. Et ces gens avec qui elle vit désormais, ce sont des gens aux antipodes de l’élite présidentielle. Toujours dans la logique un peu trop (à) droite du film, pour faire comprendre au spectateur que quelqu’un est authentique et bon vivant, il faut le voir se servir du Saint-Honoré avec les doigts ou chanter de façon bouffonne une chanson populaire de Dalida. Spectateurs, fermez les yeux, bouchez vos oreilles : ceci est un film préhistorique.
 
 

Et puis, face à toutes ces femmes, il y a des hommes. La séquence masculine la plus appréciée du festival a lieu dans Tango libre (Frédéric Fonteyne). Des prisonniers à l’apparence ferme et baraquée, marqués par la violence de la vie, véhiculent une force masculine incroyable. Un peu à la Jacques Audiard. Et dans un couloir de prison, entre des murs aux couleurs délavées et des barreaux de fer, ces hommes vont apprécier et danser le tango. Les corps robustes de ces prisonniers troquent leur brutalité contre une sensualité virile, qui les fait se prendre les uns contre les autres. Leurs mains s’enlacent, leurs pas se synchronisent, leurs membres s’effleurent, leurs corps fusionnent, soumis au rythme d’un tango auquel eux-mêmes donnent le ton. Le cadre fait corps avec les acteurs et entre dans la danse. Nous faisons nous aussi partie intégrante de cette chorégraphie énergiquement menée. Le film d’ouverture nous a donc fait part de quelques scènes mémorables. Le cinéma belge fut ainsi mis en avant dès le début du festival, faisant également la part belle à l’un de ses acteurs favoris : Zacharie Chasseriaud.

Zacharie Chasseriaud : aplomb de jeunesse

Découvert au FIFF il y a tout juste un an, dans Les Géants de Bouli Lanners, le jeune Zacharie Chasseriaud a, depuis, continué son petit bonhomme de chemin et nous revient cette année dans deux nouveaux longs métrages : Tango libre de Frédéric Fonteyne et Au nom du fils de Vincent Lannoo. Dans le premier, il est un jeune adolescent paumé entre deux pères (Sergi Lopez et Jan Hammenecker, tous deux emprisonnés) et une mère qu’il ne sait pas vraiment comment considérer : elle n’est ni une mère bien sous tous rapports, ni la femme d’un seul homme. Elle transforme son fils en bourlingueur et ne le fait se sentir à sa place nulle part. Face à ce concept familial marginal, Antonio est déchiré, cherchant quelque chose ou quelqu’un à qui se raccrocher. Quel est l’exemple à suivre ? Perturbé par cette perte de repères, l’adolescent va devenir violent, n’hésitant pas à pointer une arme sur sa mère en la traitant de « pute ». Cette arme, il la retournera contre lui-même dans Au nom du fils. Dans le film de Lannoo, Zacharie Chasseriaud fait partie d’une famille plus que parfaite, ces aspects irréprochables n’étant qu’apparences. Tout vole en éclat lorsque l’adolescent déjà perturbé voit son père mourir sous ses yeux. Le traumatisme sous-jacent à cette perte ne trouvera pas guérison dans la foi, laquelle ne révèlera au jeune garçon qu’une homosexualité latente qu’il découvre auprès du Père Achille. Trop de choses à assumer pour son jeune âge, il préfère en finir.
Il y a quelque chose de dur et de fragile à la fois chez Zacharie Chasseriaud. C’est un peu comme si la vie et les films l’obligeaient à grandir et à se raffermir. Son jeu est discret et puissamment efficace, réussissant à enfouir pour mieux révéler. Pour mieux se révéler. Il joue les contrastes à merveille. Ce visage de petit ange n’a jamais fini de nous dévoiler sa part d’ombre.
 
 

D’autres hommes, encore, plus adultes mais, surtout, certains plus morts que vivants. C’est un peu le cas de Pierre Leduc qui, dans le film québécois Tout ce que tu possèdes (Bernard Émond), semble vivre sa vie dénué de toute envie et de toute attente envers les gens. Il arpente le film et sa vie tel un Calimero n’attendant que le prochain train pour se jeter sur les rails. Un personnage morne et sans vie qui ne fait rien d’autre que nous saper le moral et rendre notre journée presque monotone. C’est pareil pour Marius dans Everybody in Our Family (Radu Jude), qui lasse tout aussi vite le spectateur. Pourtant, le début du film tendait à nous prouver le contraire tant ce personnage de père célibataire, pas assez adulte pour être responsable mais bien assez pour nous faire rire, nous faisait penser au génial Lenny and the kids (2008) des géniaux Frères Safdie. Mais on perd vite le ton léger du personnage pour entrer dans quelque chose de plus brutal et violent. La patience a ses limites et cet homme plein de faiblesses va nous surprendre et se surprendre lui-même. Cependant, l’énergie folle de Serban Pavlu ne nous donne qu’une seule envie : le retrouver bientôt sur grand écran.
 
 

Mais les vrais hommes, ceux qui nous ont profondément touchés, ce sont les Sénégalais de Moussa Touré, ce sont Baye Laye, Lansana et tous les autres. C’est sur la pirogue que les corps de ces hommes s’amassent, les uns sur les autres, conscients du demi suicide que constitue cette quête d’une chance européenne. Pour eux, il faut partir, il n’y a pas le choix. Les jeunes n’ont aucune perspective d’avenir dans leurs villages. Ces corps vifs et robustes vont laisser entrevoir leurs faiblesses face à la mort qui les assomme un à un, face à la fatalité de leur condition à laquelle ils essaient de ne pas se soumettre. Mais cette condition va les rattraper, quoiqu’ils entreprennent. La mise en scène et les acteurs de Moussa Touré sont excellents. Certains obstacles qu’on pouvait redouter (l’épreuve de la tempête, par exemple) sont parfaitement maîtrisés, la confrontation entre les corps et l’espace dans lequel ils se meuvent brillant de mille contrastes. Et ces visages, ces visages avec lesquels la caméra trouve toujours la distance adéquate, dessinent des traits à la dureté marquée, nous figurant des expressions fortes mais en souffrances. Ces hommes et leur lutte nous émeuvent, discrètement mais remarquablement. Que lit-on sur ces visages ? La peur. Et le silence.
 
 

Après toutes ces étapes survient l’inévitable question à laquelle on ne réussit jamais vraiment à échapper : « Alors, ton coup de cœur de cette année, c’est quoi » ? Un coup de cœur, c’est un film qui donne un nouveau souffle au festival, qui nous fait sentir qu’on a beau avoir vu vingt films mauvais, ça valait quand même le coup d’être là. Ce coup de cœur du FIFF 2012 va directement à Hiver nomade de Manuel von Stürler. Spectateurs, spectatrices, lâchez le cinéma français, allez voir des documentaires suisses. Manuel von Stürler et ses deux proches techniciens (Marc von Stürler, son frère, au son, et Camille Cottagnoud à la photo) ont suivi durant quatre mois un couple de bergers, Pascal et Carole, partis pour une transhumance de 600 kilomètres avec 800 brebis, quatre chiens (merveilleux Titus !) et trois ânes. Leur parcours devient aussi le nôtre et nous arpentons la montagne avec eux, bravant le froid et les kilomètres à chercher de la bonne herbe pour les brebis. Parce que ce que le documentaire pointe du doigt, c’est le paysage en mutation, l’herbe qui manque, les villas qui s’implantent et les chemins de campagne devenus routes en béton. C’est aussi la perte d’une tradition, d’un métier passionné, celui de berger, qui se perd de plus en plus et que Pascal cherche à perpétuer. De jeunes gens comme Carole devraient être plus nombreux. Camille Cottagnoud a gagné un prix vendredi soir dernier au FIFF, et c’est bien normal tant son travail parvient à donner à la lumière naturelle de la montagne un côté à la fois réaliste et merveilleux. Le spectateur se perd dans ce paysage en même temps que ses protagonistes. Les uns et les autres font communion avec cette nature que Pascal chérit de tout son être. Loin du matérialisme ambiant qui définit si bien notre époque, Manuel, Pascal et Carole vivent passionnément ce retour à des valeurs primitives et vitales que la société confortable d’aujourd’hui aime regarder, mais de son fauteuil de cinéma bien douillet.

Petite forme pour le FIFF cette année mais pas d’inquiétude, ça ira mieux l’année prochaine.