Select Page

Festival Extrême Cinéma : La face B du cinéma

Article écrit par

La semaine dernière, les films projetés à la cinémathèque de Toulouse n´étaient pas cultes, mais << cultissimes >>, nuance. Dans la jungle d´une programmation gravitant autour du thème << inferno >>, le festival a éclairé quelques points obscurs d´un pan joyeusement fauché de l´histoire du cinéma : le film d´exploitation et ses dérivés. Défrichage.

Cette douzième édition aura détaillé une partie de ce cinéma dit « extrême » : celui qui se joue de nos peurs et se repose sur notre capacité à affronter l’horreur, ne serait-ce que par fascination morbide (ce qui est souvent le cas). La violence émanant et débordant du cinéma « gore » fit des émules, éclaboussant bien plus que les années 60/70 et le seul territoire américain. Cinéma d’horreur, d’effroi, de terreur, gore, fantastique, série B, Z, slasher movies, giallo italiens, sans compter d’autres sous-catégories du cinéma d’exploitation : un éventail de genres parfois incongrus a percé dans les salles – et aurait bien perforé rageusement les écrans. Tentative d’inventaire.

Mauvais genres

Frank Henenlotter, réalisateur New-yorkais de films d’horreur, est venu jeudi présenter son documentaire sur Hershell Gordon Lewis, The father of gore, pionnier de ce cinéma. Lewis commença sa carrière de cinéaste en tournant des « nudie-cuties », films de nudistes inoffensifs montrant platement de jeunes femmes dévêtues, films fauchés surtout, tournés à la va-vite, avec une équipe technique réduite à son plus simple appareil. Puis, cherchant un autre filon, plus féroce, il songea au fait que la violence et le sang, traités outrageusement et avec exagération, ne pourraient être récupérés – en tout cas pas tout de suite – par Hollywood.

Ainsi naquit Blood Feast (Orgie Sanglante, 1963), premier film « gore » de l’Histoire du cinéma, initiateur d’une longue lignée aux titres évocateurs (2000 maniacs, The Wizard of gore…). Il les tourne avec trois bouts de ficelle (et quelques morceaux d’abats saignants), embauchant des acteurs amateurs : les filles sont repérées dans Playboy, les garçons… passaient par là. Le spectacle outrancier de ses films, dans lesquels les corps féminins sont mutilés, coupés, amputés, dont les entrailles sanguinolentes sont offertes à vif aux regards, fait penser à une vaste boucherie sans autre utilité que celle d’exhiber ses étals saignants. Les couleurs vives qui flamboient sur l’écran, invraisemblables, sont au-delà de tout souci de réalisme : le sang semble jaillir des plaies comme de la gouache à peine diluée giclerait d’un tube de peinture. Henenlotter recueille aussi dans ce documentaire le témoignage du « Pope of trash » John Waters, collectionneur des novellisations des films de Lewis. Il les découvrit dans les drive-in où, rappelle-t-il, les spectateurs n’étaient pas seulement là pour voir sagement des films et siroter des milk-shakes. Ils lui rappelaient d’abord les publicités de ces années, aux couleurs aussi criardes et acides. L’impact de la violence y est en tout cas largement désamorcée par l’acharnement et la frontalité franchement risible avec lesquels Lewis met en scène ces amas de chairs.

Héritage(s)

Comment le situer, lui et ses massacres à répétition, dans l’Histoire du cinéma ? S’il préfigura la série des Halloween et autres Vendredi 13, le succès de Blood Feast s’infiltra aussi souterrainement dans le cinéma dit « d’exploitation », et notamment dans les giallo italiens des années 60 comme ceux de Lucio Fulci, dont on a pu revoir cette semaine L’au-delà et La maison du cimetière. Mais Extrême cinéma ne se limite pas à l’horreur : il redécouvre aussi le fantastique, projetant par exemple Rendez-vous avec la peur, réalisé par Jacques Tourneur. Celui-ci plaidait en revanche pour que l’horreur s’insinue dans l’esprit du spectateur, sans que l’objet ou la cause en soient montrés (le monstre du film, « ridicule » de son propre avis, y fut inséré par les producteurs).
Le principe de suggestion, accouplé au doute, est aussi au fondement de Rosemary’s baby, où l’horreur naît et prend corps à l’intérieur. Autre époque, autre mode de reprise, parodique et déjantée : Perdita Durango (Alex de la Iglesia, 1997), road-movie trash embarquant à son bord une jeune femme pulpeuse amoureuse d’un Javier Bardem survolté. Fou, sanglant et de très mauvais goût (ah, les cactus phalliques survolés par d’épaisses traînées blanches !), l’humour y est douteux – le but de toute l’opération du film : stopper une livraison de fœtus destinés à des laboratoires cosmétiques. Screaming Jay Hawkins en caméo et James Gandolfini en flic acharné complètent un casting étrange. Il y eu aussi des inclassables, dans cette édition 2010, comme L’échelle de Jacob (Adrian Lyne, 1990), film à twist confus avec Tim Robbins, brodant sur le souvenir dérangeant de la guerre du Vietnam, à mi-chemin entre film fantastique et thriller.

« The following film is restricted »

La nuit « Portnawak » clôtura le festival, reprenant le mode de diffusion continuelle qui caractérisait les Grindhouse des années 70 : on projeta des films sans répit toute la nuit durant devant une salle remplie et bon public. Aucun seau de pop corn ne trainait dans les allées, et les pelotages restèrent l’œuvre de quelques couples isolés : on ne transforme pas la Cinémathèque, temple des cinéphiles, en Grindhouse friponne aussi facilement. Pêle-mêle se sont succédés Massacre à la tronçonneuse 2, l’improbable L’Infernale poursuite et son légendaire Mr No Legs, « film tellement puant qu’il en devient hypnotique » selon les mots de Frank Henenlotter ; Orgazmo, des créateurs de South Park, Trey Parker et Matt Stone ; des courts-métrages… Tout cela entrecoupé de bandes-annonces rétro ahurissantes déclenchant l’hilarité des spectateurs.

Souvent éloignée des films habituellement projetés lors de rétrospectives festivalières, la programmation de l’Extrême cinéma eut le mérite de regrouper et donner à découvrir des films selon un mode de sélection différent. Nuls, scandaleux, choquants ou de mauvais goût, la façon dont on les place à bonne distance de la crème du cinéma est parfois trompeuse : ils constituent des sources d’inspiration ou des réservoirs référentiels où ont en leur temps allégrement puisé, pour ne citer qu’eux, Godard, Tarantino, ou encore Cronenberg…


Partager:

Twitter Facebook

Lire aussi

Rashômon

Rashômon

« Rashômon » ressort en salles dans une nouvelle version restaurée. Par ses écarts angulaires à 180°et sa flamboyance assumée, l’œuvre non-conformiste se revendique de l’esthétique du muet et multiplie les perspectives pour sonder la vérité psychologique de ses protagonistes confrontés à leurs contradictions. Film-événement.

La Terrasse

La Terrasse

« La terrasse » est une œuvre à la charnière de deux époques qui vient sonner le glas de la comédie à l’italienne. La satire grinçante livre sans concession un portrait en demi-teinte et au vitriol de la crise existentielle de cinq quinquagénaires vieillissants qui évoluent dans une sphère intellectuelle de gauche sclérosée. Les scénaristes de légende Age et Scarpelli prennent ici le pouls d’une société italienne malade de son conformisme.

Le Soldatesse (des filles pour l’armée)

Le Soldatesse (des filles pour l’armée)

« Le Soldatesse » porte un regard féministe existentialiste sur ces femmes en déshérence, butin de guerre, enrôlées de force afin d’approvisionner les bordels militaires de campagne lors de l’invasion hellénique par les troupes d’occupation italiennes expédiées en 1941 sur une rodomontade du Duce. Illustrant une page sombre de l’occupation italienne, ce road-movie sur fond de guerre chaotique fut ignoré à sa sortie pour le défaitisme et le fiasco militaire qu’il traduisait par son naturalisme. Décryptage.