Le métier de storyboardeur est encore peu développé en France, contrairement aux productions anglaises et américaines qui ont l’habitude d’employer des storyboardeurs lors de la préparation d’un film. Voilà pourquoi a été créée la Fédération Nationale des Storyboardeurs Français (FNSBF), fondée en 1999 à l’initiative de Raphaël Saint-Vincent et de Rémi Jacquinot, dans le but de participer au développement du métier de storyboardeur en France et en Europe. Les productions ont tout à y gagner, le storyboard constituant un outil de maîtrise à différents niveaux, artistiques, techniques et logistiques. En proposant cette série de vingt-cinq interviews de storyboardeurs et de réalisateurs, à travers l’ouvrage Masterclass storyboard, les éditions Eyrolles mettent en avant des techniques souvent méconnues.

Le storyboard : un outil multifonctions

Loin de n’être qu’une planche de séquences dessinées, le storyboard représente un véritable outil de communication. Il doit aider tous les techniciens et chefs de poste à entrer rapidement dans la tête du réalisateur, l’essentiel étant que sur un plateau de tournage, tous comprennent et utilisent le même langage.

Travailler un storyboard, c’est se poser, en amont du tournage, tout un tas de questions par rapport au choix des axes, aux placements des caméras, aux raccords, mais, au-delà de ça, c’est se demander ce que chaque plan raconte et de quelle manière l’image traduit les intentions du réalisateur. Le storyboard va dépasser le simple état de fait technique pour donner une idée concrète de la continuité d’une séquence, du rythme de tout un film. Il se concentre sur chaque plan tout en permettant une vision globale de la dynamique du film.

L’outil storyboard va également permettre de mieux préparer un film, de se sentir un peu moins démunis face aux imprévus qui ont inéluctablement lieu au moment du tournage. L’équipe a quelquefois peu de temps sur le plateau pour la réflexion, les décisions pouvant paraître quelquefois précipitées. Il est donc utile d’avoir pu penser à un maximum de choses en amont grâce au storyboard, qu’il s’agisse d’intentions de réalisation, de technique ou de logistique.

En effet, il n’est pas forcément indispensable de storyboarder tout un long métrage, chaque film possédant ses propres nécessités. Pour les séquences complexes et les scènes d’action, le découpage est cependant incontournable, permettant aux chefs des effets spéciaux ou aux cascadeurs d’appréhender les difficultés techniques, sans oublier les nécessités budgétaires engendrées par toutes ces scènes. Le storyboard est ainsi un outil également apprécié du côté de la production qui va pouvoir établir de manière encore plus précise le coût de chacune de ces séquences d’action, qui sont toujours extrêmement chères. Le storyboard va également être un grand allié pour le premier assistant réalisateur. En donnant un nombre de plans précis, il va permettre d’appréhender le plan de travail, le temps de tournage. A ce propos, Cédric Klapisch nous confie des secrets de tournages, témoins de l’utilité d’une réflexion sur le découpage et l’impact que ce dernier peut avoir sur le plan de travail : « Les Poupées russes fut effectivement un véritable casse-tête. En fonction des autorisations que nous aurions, on ne savait pas encore si on allait filmer la représentation du Lac des cygnes à l’Opéra de Paris ou dans différents théâtres de Londres et Saint-Pétersbourg. De ce fait, on a uniquement storyboardé les scènes de danse afin de savoir combien de plans il y aurait à tourner : tant de plans de la salle, tant vers les spectateurs et tant derrière le rideau. Le storyboard nous a montré qu’on pouvait séparer nos plans en deux pays. On a finalement tourné les points de vue salle à Saint-Pétersbourg et les coulisses à Londres. » (1)

Dessin, mon beau dessin

Les dessins d’un storyboard doivent être efficaces avant d’être jolis. L’intérêt d’un découpage n’est pas d’être considéré comme une oeuvre d’art mais bien comme un outil de communication lisible facilement. Ce qui est important, c’est qu’une fois face au storyboard, l’équipe puisse se faire une idée précise et rapide du plan désiré. La qualité (coloris, traits…) n’est pas primordiale. Mieux vaut viser l’efficacité avant un beau dessin et s’adapter à la personnalité de chaque équipe. Le storyboardeur doit savoir mettre son ego de côté en alliant aspect technique et aspect artistique, opérant ainsi la combinaison parfaite de ce qu’un réalisateur attend d’un proche collaborateur. Même si un storyboardeur, ce n’est pas que des mains, comme tous les techniciens, il peut parfois ressentir le malaise du subordonné. A ce propos, l’entretien avec Sylvain Despretz, qui a travaillé en tant que storyboardeur pour les plus grandes pointures, s’avère très intéressant et son attitude à l’apparence aigrie n’est rien d’autre qu’un regard profondément lucide sur la difficulté d’être à la fois technicien et artiste dans le monde du cinéma. Ce n’est pas chose aisée, pour le technicien qui a beaucoup d’idées, de se « soumettre » à la volonté d’un réalisateur. Despretz a décidé d’arrêter sa carrière de storyboardeur pour se consacrer à la réalisation. Comme il le souligne, sûrement avec un rire un peu sarcastique, « aux Etats-Unis, le vieux terme industriel qui dénote les storyboardeurs est « wrists » – les poignets -, ça dit tout ! Quelqu’un dépourvu de ses propres mains vous grimpe sur le dos et dirige les vôtres ». Dans une moindre mesure, on peut effectivement se demander : où est l’artiste dans le storyboardeur ? Il n’a pas tort quand il affirme que « l’obsession technique est un truc d’amateur […]. On s’accroche à la technique uniquement pour se rassurer et pour être convaincant mais, paradoxalement, c’est l’absence de cette préoccupation qui désigne un vrai pro du métier » (2).

Le découpage est une base de travail. Il ne constitue en aucun cas une bible à laquelle il faut rester accroché au moment du tournage. Au contraire, il faut savoir s’en détacher et rester malléable : une équipe a beau être très bien préparée, tout se joue au moment du tournage, beaucoup de plans étant annulés, d’autres ajoutés. Yann Cuinet, assistant réalisateur, insiste sur le fait que « tout change tout le temps sur les films. Le réalisateur doit s’adapter et repenser son découpage en permanence, ce qui est loin d’être simple. Le storyboard le conduit alors à trouver d’autres solutions plus adaptées et souvent meilleures. Cet outil ne devrait cependant ni limiter sa créativité ni l’empêcher de changer ses choix de mise en scène, tout comme il ne devrait pas imposer les mises en place des acteurs et le sens qu’ils peuvent donner à la scène. » (3)

Présents et avenir du storyboard

La dernière partie de l’ouvrage est consacré à la technique de prévisualisation, procédé originellement créé pour les storyboards de films en 3D mais utilisé aujourd’hui également pour les films en prises de vues réelles. La situation n’est pas encore alarmante pour le storyboard traditionnel, la préviz coûtant extrêmement cher. Le dessin sur papier est encore loin d’avoir dit son dernier mot, c’est à lui qu’on aura toujours recours en dernière minute. Ce chapitre nous permet donc de nous pencher sur ce procédé pas si nouveau que ça mais toujours en plein essor. Pour ceux qui souhaitent se pencher plus en détails sur ce sujet, le site web www.3dvf.com apporte pas mal de précisions sur la previz, permettant également de visionner la première partie du documentaire Previsualization : past, present and future ainsi qu’une scène de préviz issue de la réalisation d’Indiana Jones 4.(4)
Le site www.creanum.fr donne une bonne définition de ce procédé : « La « previsualization » ou « previs » ou encore « previz » est une technique consistant à prévisualiser une séquence vidéo avant sa réalisation, via un outil de modélisation 3D, avec le dispositif de tournage de cette séquence. La prévisualization et le storyboard répondent souvent aux mêmes besoins, avec la seule différence que l’un offre une prévisualization en relief, l’autre, en deux dimensions. »

La préviz permet de créer un aperçu précis et détaillé du film souhaité, elle permet plus de possibilités en explorant toutes les options différentes. On peut se permettre de nombreux essais, ce qui n’est pas possible sur un tournage faute de temps. Le système de préviz a également pour conséquence une économie de temps et d’argent : en ayant fait les tests au préalable avec la préviz, le réalisateur sait alors plus ou moins exactement ce qu’il souhaite, ce qui permet aussi une meilleure communication avec ses équipes qui vont plus vite comprendre les attentes du réalisateur quant au projet. Ce procédé permet aussi de rendre la production plus confiante. Elle va se faire une meilleure idée, plus précise, du projet dans lequel elle va investir. En ayant plus confiance, elle va ainsi peut-être trouver des fonds supplémentaires qui n’auraient pas lieu d’être sans le bon aperçu qu’a constitué pour eux la préviz. Techniquement, on essaie différents mouvements et positions de caméra, on cherche le bon objectif, la meilleure focale. En simulant ainsi la prise de vue grâce à la préviz technique, l’équipe et la production peuvent savoir de manière plus précise quel matériel sera nécessaire pour le tournage.

Dans le dernier chapitre de cet ouvrage, pour Volcy Gallois-Montbrun, cofondateur des Androïds Associés ayant pour but d’implanter la Previz en France, le précurseur du concept Previz n’est autre que George Lucas, « qui a réellement contribué au développement de cette technique. D’abord avec la nouvelle version de THX 1138, puis avec les nouveaux épisodes de Star Wars. Il y avait alors au troisième étage du ranch Skywalker une petite équipe d’infographistes qui réalisait en Previz les séquences dont George Lucas avait besoin. Cela lui permettait de valider sa mise en scène et d’anticiper tous les défis techniques à venir. Chris Edwards, l’un des pionniers de la Previz, faisait partie de cette équipe. Il fondera plus tard The Third Floor (en souvenir du troisième étage du Skywalker ranch) qui est aujourd’hui l’une des plus importantes sociétés de Previz aux Etats-Unis. » (5). Sur le site www.3dvf.com, on trouve un compte-rendu intéressant d’une conférence donnée par Chris Edwards. « Alors qu’auparavant les différents départements du film communiquaient directement entre eux, pour Chris Edwards l’avenir consiste à avoir la previz en tant que hub central, faisant le lien entre toutes les équipes ou entités, à toutes les étapes. Cette nouvelle vision de l’organisation donne, pour Chris Edwards, une vision de la tendance future pour le workflow : les frontières entre étapes vont se brouiller, les étapes vont fusionner entre elles et donner une « virtual production » à la manière de ce qui a pu être fait pour Avatar, avec une utilisation massive de la previz du développement du projet à la postproduction. Contrairement à ce qui a pu se faire par le passé, le process de création devient donc non linéaire. » (6). A propos de la préviz et toujours dans la dernière partie de l’ouvrage Masterclass storyboard, l’entretien très fourni avec le storyboardeur et concept artist Ivàn Gomez Montero vaut le détour.

Masterclass storyboard est un livre riche en entretiens, en séquences de films storyboardées par les hommes interviewés (non sans révéler le côté très masculin du métier) et montre la façon dont les traits des différents dessinateurs retranscrivent le mouvement. Le mouvement du cinéma.

Masterclass storyboard, 25 interviews de storyboardeurs et de réalisateurs, sorti aux Editions Eyrolles, novembre 2012.