Le Grand Prix Anima 2014 du meilleur court métrage d’animation a été attribué à Futon (2012), de la japonaise Yoriko Mizushiri. Ses dessins minimalistes, à la ligne épurée et à l’animation limpide, ont d’abord été réalisés sur papier avant d’être confiés à l’ordinateur pour la mise en mouvement et l’animation. Entre rêveries taquines et formes voluptueuses, Yoriko Mizushiri explore l’anatomie d’une femme se prélassant à l’intérieur d’un duvet souple et moelleux. On n’aperçoit que des parties de ce corps qui devient alors pure gourmandise. L’animation se fait fluide, le corps se détend, les lignes et les formes se laissent couler, succédant les unes aux autres de façon harmonieuse et limpide. La musique envoûtante et les couleurs soyeuses contribuent à cet état de bien-être dans lequel le spectateur plonge lui aussi peu à peu. Cette sensation de confort et de quiétude qui nous enveloppe tout entiers trouve aussi son fondement dans le sens du toucher qui réussit, malgré l’écran de cinéma, à nous saisir. Le bout de la langue effleurant un morceau de gâteau, l’odeur du café et le contact de la tasse que l’on attrape l’œil à demi fermé, ou encore la couette douillette que l’on enroule entre nos jambes, notre corps roulant sur le côté, comprimant le moelleux duvet comme s’il s’agissait de notre nuage à nous : autant de fragments de bien-être que le film nous propose et, surtout, nous rappelle. Ce n’est effectivement plus à la mode, dans notre société actuelle, où que l’on soit, de promouvoir la paresse, pourtant nécessaire, la relaxation de l’esprit, et le relâchement du corps. Le film de Yoriko Mizushiri, par sa douceur et son incroyable modestie, possède un effet thérapeutique incroyable sur son spectateur.
Le jury du Festival Anima (composé de Juan Pablo Zaramella, Frank Dion et Emma De Swaef) a décidément très bon goût et c’est Wind (2013), de Robert Löbel, qui reçoit le Prix du meilleur court métrage d’animation étudiant. Visible sur Vimeo pour ceux qui l’auraient raté en salles, ce court métrage allemand de quatre minutes vaut franchement le détour. Le personnage principal du film est un protagoniste invisible : le vent. Robert Löbel met en scène un monde dominé par le vent qui souffle à une vitesse ébouriffante, emportant tout sur son passage. Les hommes doivent y faire face et s’y habituer en adoptant de nouveaux automatismes. Certains jouent au ping-pong contre la bourrasque, d’autres envoient leurs bébés s’amuser dans le ciel en planant tels des cerf-volants, et d’autres encore tentent de faire tenir sur leur tête un chapeau qui finit toujours par s’envoler. Ils cohabitent au sein d’un monde gouverné par une autre force qui leur rend, à tous, la vie plus difficile qu’elle ne l’est déjà. Le sous-texte est sombre, mais le traitement reste loufoque et léger, à travers un style de personnages, animés en 2D, simple et agréable. Mention spéciale au travail du sound designer David Kamp qui, de son côté, réussit brillamment à animer ce fameux vent que l’on ne saurait voir. Sur les quatre minutes que dure le film, il n’y en a pas une qui ne soit riche d’inventivité.
Le public d’Anima, lui, a décidé de récompenser le court métrage de Špela Čadez, le touchant Boles (2013). S’inspirant d’une nouvelle de Maxime Gorki, Špela Čadez travaille l’animation de marionnettes en stop motion. C’est ainsi qu’elle redonne vie à Filip et Teresa, des voisins de palier qui vont se croiser, tels deux désespérés en quête de confiance. Teresa, à travers son corps flasque mais enjoué, apporte sa vitalité à Filip, écrivain à l’esprit aussi talentueux que torturé. Filip et Teresa sont tous deux animés d’une grande ambition, désirant changer leurs vies, l’un à travers le dur labeur artistique, l’autre grâce à un amour idéalisé. Špela Čadez réussit à trouver le juste équilibre entre des dialogues adroitement prononcés et des silences éloquents, créant par là une atmosphère à la fois accablante et chaleureuse. Boles fourmille d’idées et accorde beaucoup de soin aux détails, transmettant par là-même au spectateur son amour du savoir-faire. Manuel, Filip l’est aussi, tant ses doigts se baladent sur sa machine à écrire. Son outil peut être un allié dans sa création mais représente aussi souvent un ennemi résistant. C’est l’angoisse de la page blanche, retranscrite ici de manière onirique et émouvante, à travers les fantasmes dans lesquels Filip est amené à se perdre. Il voyage entre la crainte de doigts devenus trop longs et souples, l’empêchant d’écrire, et la chorégraphie parfaite et presque joyeuse qui les incitent, lui et Teresa, à danser ensemble sur les touches d’une machine à écrire agrandie pour l’occasion. L’esthétique des marionnettes est très réussie. L’utilisation de silicone permet de mieux travailler l’animation et l’élasticité de certains membres comme la bouche et les mains, ce qui apporte toujours plus de fluidité aux mouvements des personnages. Surveillez les différents programmes, vous risquez d’y croiser Boles qui fait le tour des festivals depuis l’année dernière – il fut notamment projeté à Annecy.
Même s’ils sont repartis bredouilles d’Anima, d’autres courts métrages valaient clairement le détour, tel le très court A Girl Named Elastika (2013) de Guillaume Blanchet, très primé dans les festivals du monde entier. Elastika est une jeune fille composée d’élastique, qui va parcourir un monde de liège, lui-même constitué de milliers de punaises représentant des immeubles, une voiture, ou même une fusée. Elastika nous emporte avec elle dans un véritable périple, qui dure un peu plus de trois minutes et qui pousse la créativité très loin : c’est dingue tout ce que l’on peut faire avec quelques punaises et des élastiques. Le public a beaucoup ri devant l’épopée d’Elastika dont la simplicité n’est qu’apparente. On ne peut que saluer ce grand travail sur le trucage et les milliers de photos qu’il fallut pour animer en stop motion ces trois minutes de fraîcheur. En 2009, toujours en stop motion, Guillaume Blanchet avait réalisé son premier véritable court métrage d’animation : Laïka, mêlant l’histoire du fameux chien avec celle d’un célèbre bar de Montréal, à partir de centaines d’allumettes devenues, tout comme Elastika, héroïnes durant quelques minutes. Snowmotion, réalisé en 2010, représente un essai fugitif de deux minutes sur le mouvement et les éléments naturels. C’est sur la musique efficace des Crystal Castles ("Untrust Us") que Blanchet joue en stop motion sur les différents mouvements de la neige, qui s’accumule ou au contraire s’efface, et dont le rythme reste toujours accordé au tempo de la musique. Comme dans tous les films d’animation réussis, l’importance et la qualité de la bande son sont à saluer. Dans Snowmotion, le travail sur le son passe par une véritable réflexion, notamment à travers un plan remarquable où, en jouant avec la présence ou non de la neige suivant les photos qui se succèdent, ainsi qu’avec le son de vagues maritimes qu’il rajoute en montage, l’image de la houle neigeuse avançant et reculant sur le sol s’apparente alors, grâce à nos automatismes et à notre mémoire, à de véritables vagues venant s’éteindre sur le rivage. À défaut de les trouver près de chez vous sur grand écran, les réalisations de Guillaume Blanchet restent visibles sur Internet, notamment via Vimeo ou Arte, prouvant que la créativité n’a pas toujours besoin de grand-chose pour briller : elle peut se contenter des moyens du bord… et de beaucoup, beaucoup de photos.
Braise (2013), du Français Hugo Frassetto, a parcouru de nombreux festivals (Annecy, Clermont-Ferrand, FIFF de Namur, et cætera) et impressionne par sa technique employant le sable sur verre. Cependant, ce type d’animation ne semble pas s’accorder à la narration du film qui reste, somme toute, plutôt faiblarde et déjà vue. Cependant, il ne fait nul doute que la technique employée fonctionnerait beaucoup mieux pour un autre format, comme le clip musical.
C’est avec une grande curiosité que nous sommes allés découvrir la rétrospective proposée par le festival des courts métrages de Theodore Ushev. Cette rétrospective nous a permis de découvrir les films de ce réalisateur bulgare basé au Canada qui reste, excepté dans les festivals d’animation, plutôt méconnu, même d’un public averti. Ce fut donc l’occasion de découvrir son style, souvent très expérimental, quelquefois plus accessible, et teinté de diverses influences. Theodore Ushev n’hésite pas à rendre hommage, à l’image de Joda (2012), présenté à Anima en Compétition internationale et qui constitue un manifeste émouvant pour la libération de Jafar Panahi et de tous les réalisateurs iraniens emprisonnés.
Le Festival Anima a eu le privilège de recevoir Thomas Stellmach, venu présenter son court métrage Virtuos Virtuell (2013), co-réalisé avec Maja Oschmann. Cet Allemand bientôt cinquantenaire avait gagné, en 1997, l’Oscar du meilleur film d’animation pour Quest (1), animation en volume d’une poupée recouverte de sable en quête d’eau pour survivre. Le personnage déambule à travers différents mondes, de papier, de pierre ou de fer, jusqu’à sa fin inévitable. Avec Virtuos Virtuell, réalisé sur une composition de Louis Spohr, Thomas Stellmach essaie quelque chose de totalement différent. C’est ainsi qu’il anime des touches d’encre qui vont, à travers le rythme musical, créer un dessin continu, abstrait et expérimental. Ces lignes d’encre ne suivent jamais le même mouvement mais plutôt la cadence précise et chorégraphiée d’une musique classique pleine de sensations et d’émotions. Un film expérimental, on y va à reculons, par peur de ne pas adhérer au propos auquel, par ailleurs, on ne comprendra sûrement pas toujours grand-chose. Certains spectateurs présents à la rétrospective de Theodore Ushev n’en sont, effectivement, pas sortis indemnes. L’expérience de Stellmach reste, pour sa part, très accessible et pour le moins intense. Il fusionne sensibilité et narration à travers ces touches d’encre qui composent finalement un véritable personnage, emporté par ses émotions à travers la musique et la beauté du geste, mais aussi motivé par une avancée incertaine et dramatique, qui le confronte à des obstacles ou autres courses-poursuites.
D’autres courts métrages ont attiré notre attention, comme My Mom is an Airplane! (2013) de la Russe Youlia Aronova, Wedding Cake (2013) de l’Allemande Viola Baier ou encore Ascension (2013) des Français Thomas Bourdis, Martin de Coudenhove, Caroline Domergue, Colin Laubry et Florian Vecchione, ainsi que Le Père Frimas (2013) du Russe Youri Tcherenkov, largement salué (2) et sorti en France en décembre dernier.
Si le Festival Anima est si riche en découvertes, c’est aussi grâce aux rencontres qu’il propose. Ainsi, les spectateurs d’Anima ont eu le privilège d’accueillir le réalisateur indépendant Bill Plympton, pour une masterclass de près de six heures. Même les plus spécialistes d’entre nous ont pu enrichir leurs connaissances grâce à cette rencontre avec un Bill Plympton au capital sympathie indéniable. Le public, relativement jeune, témoigna d’une grande curiosité envers l’animation en général et le travail de Plympton en particulier, le cinéaste rythmant sa conférence par une série de projections de différents courts métrages plus ou moins inédits. À la fin de la journée, chaque spectateur a pu repartir avec un gribouillage « plymptoonien ». Bill Plympton reste un cinéaste à part dans le monde de l’animation, il n’est pas né d’hier mais reste encore trop peu connu dans le monde du cinéma. Nous reviendrons sur sa carrière dans un article qui lui sera entièrement consacré mi-avril, peu avant la sortie en salles de Cheatin’, que nous avons eu le privilège de découvrir en avant-première au Festival Anima.
Et comme il n’y a pas que Disney et Pixar dans la vie et dans l’animation, le festival s’attache toujours à promouvoir d’autres modes de cinéma, émergents ou étant simplement dans la nécessité de se faire connaître en Europe et ailleurs. C’est à partir de ce constat qu’une rencontre dédiée au cinéma d’animation en Afrique a été programmée durant cette semaine de festival. Le cinéma d’animation africain fait évidemment partie intégrante des laissés-pour-compte. Cependant, leurs productions animées ne datent pas d’hier et beaucoup de choses sont mises en place sur le continent africain pour permettre leur existence. Guido Convents, historien, anthropologue et spécialiste du cinéma africain, est venu nous en parler, en un bref exposé, accompagné de Jean Michel Kibushi, réalisateur originaire de la République Démocratique du Congo, très actif quant au développement du cinéma dans les pays d’Afrique. La conférence fut instructive, permettant aux intéressés d’en savoir plus sur les diverses productions africaines, qui sont très différentes d’un pays à l’autre, et sur les moyens qui leurs sont alloués. Guido Convents évoque ainsi Moustapha Alassane, nigérien et pionnier du cinéma d’animation en Afrique, réalisateur de films en stop motion inspirés du travail du grand maître de l’animation, Norman McLaren, avec lequel Moustapha Alassane eut la chance de travailler lors de son passage au Canada. Il salue également le travail de Maurice Nkundimana qui, en 2007, réalise le premier film d’animation rwandais et le premier film d’animation africain sur la pédophilie, qu’il a décidé de réaliser pour mettre en garde ses enfants. Le film s’intitule Enfants, méfions-nous de ceux qui nous trompent (2007). Si le cinéma d’animation en Afrique arrive peu à peu à se développer, c’est aussi grâce à l’initiative de personnes comme Jean-Michel Kibushi, fondateur du studio Malembe Maa qui, avec l’aide de ses partenaires, a créé l’association « Afriqu’anim’action », laquelle constitue une aide à la formation de professionnels, à l’encadrement de jeunes créateurs et animateurs, pour la production de films d’animation en Afrique, grâce à des formateurs venant d’Afrique aussi bien que d’Europe et d’Amérique du Nord. Un cinéma qui se développe de plus en plus et de mieux en mieux, et auquel on se doit de rester vigilants.
Le Festival Anima étant le meilleur ambassadeur du cinéma d’animation en Belgique, il est de bon ton de parler de ceux et celles qui ont contribué à forger l’histoire du cinéma d’animation de ce côté-ci de l’Europe. En effet, il y a de cela une cinquantaine d’années, les Belges ont voulu concurrencer Walt Disney. Ceci n’est pas le pitch d’un film à venir mais bien la genèse d’un projet de longue haleine, à la fois loufoque et passionnant. Tout part des studios Belvision, fondés en 1955 par un homme à l’ambition claire et démesurée, Raymond Leblanc, qui décide de constituer ce qui deviendra alors à ce moment-là le seul et véritable studio d’animation en Europe. Pour en parler, étaient présents à Anima Philippe Capart, réalisateur du documentaire Belvision, la mine d’or au bout du couloir (2002) ainsi que Daniel Couvreur, journaliste culturel au quotidien belge Le Soir, spécialisé dans la bande dessinée et auteur d’un livre paru en décembre 2013 : Belvision : Le Hollywood européen du dessin animé, ainsi que deux témoins directs de cette grande épopée : Paulette Smets, entrée en 1963 en tant que coloriste chez Belvision, et Jos Marissen, qui a commencé sa carrière dans les studios à dix-sept ans, participant à cette grande aventure du début à la fin.
À l’époque, Raymond Leblanc et son équipe avaient beaucoup d’ambition, leur désir premier étant d’adapter des bandes dessinées, plus précisément les albums de Tintin, en dessins animés. Cependant et en comparaison avec une grosse industrie telle que Disney, ils avaient très peu de moyens et ne connaissaient pas grand-chose des techniques d’animation. Il y avait chez eux un côté innocent et modeste qui pouvait les rendre tout aussi touchants qu’amusants. Au tout début, et nous sommes pourtant déjà en 1955, ils filmaient simplement les différentes cases des albums des bandes dessinées, manifestant en un seul coup le degré zéro de l’adaptation et de l’animation. Petit à petit, ils commencèrent à animer les personnages en tirant sur les languettes de marionnettes en carton. C’est incontestable, ils faisaient avec les moyens du bord, et leur travail était incomparable à ce qui se passait de l’autre côté de l’Atlantique. Heureusement pour tout le monde, différents animateurs sont arrivés et se sont succédés au sein de Belvision, apportant leur collaboration essentielle, tels Willy Lateste ou encore Ray Goossens, alors connu pour ses réalisations publicitaires. Ils ont contribué à faire progresser la qualité des productions du studio, en apportant par exemple la technique, abordable, de dessins sur celluloïd utilisée depuis longtemps par les autres studios. Le premier long métrage de Belvision, Pinocchio dans l’espace, est réalisé en 1964 par Ray Goossens.
La manière de fonctionner des studios Belvision était quelque fois étrange, comme nous l’explique très bien Albert Uderzo dans le documentaire de Philippe Capart. Un jour, Albert Uderzo et René Goscinny furent invités par Georges Dargaud – leur éditeur – et Raymond Leblanc à se rendre à Bruxelles, dans les studios Belvision, sans savoir ce qui les attendait. C’est ainsi qu’ils se sont retrouvés, non sans surprise, à une projection privée d’un long métrage d’animation mettant en scène les aventures de Astérix le Gaulois (1961). Ils furent choqués de découvrir cette adaptation réalisée entièrement sans leur avis et profondément scandalisés par la qualité de l’animation qui laissait terriblement à désirer. Les décors étaient plats, immobiles, et les corps, à peine articulés. Ils finirent par accepter que le film soit diffusé et le succès fut au rendez-vous, à leur grand étonnement. Nous nous rappelons tous de Astérix le Gaulois (Ray Goossens, 1967), que nous avons vu étant enfants et qui continue à être programmé par les chaînes de télévision durant les fêtes de fin d’année. Les papas des célèbres Gaulois n’étaient pas au bout de leurs peines et apprirent ensuite que deux autres films des aventures d’Astérix avaient été réalisés par les mêmes studios Belvision, directement après Astérix le Gaulois. Déçus par la qualité médiocre du premier film, ils ordonnèrent que les deux suivants soient entièrement détruits, ce qui fut fait. Uderzo et Goscinny participèrent ensuite à l’adaptation de Astérix et Cléopâtre (1968), qui connut lui aussi un grand succès chez les petits et les grands. Pour les studios Belvision, ce sera ensuite la réussite avec les adaptations des albums de Tintin et de Lucky Luke, jusqu’à ce que l’ambitieux Les Voyages de Gulliver (Peter Roger Hunt, 1977) déclenche le déclin financier et la fin du rêve presque américain.
Voilà une partie des découvertes et témoignages que l’on a récoltés lors du Festival Anima. Et on ne parle même pas de la rencontre avec Tomm Moore venu nous présenter son work in progress, un long métrage d’animation prometteur intitulé Song of the Sea (2014), qui sortira sur nos écrans d’ici la fin de l’année 2014.
Rendez-vous l’année prochaine pour une 34e édition qui se tiendra du 13 au 22 février 2015.
Retrouvez l’intégralité du palmarès sur le site internet du festival.
(1) C’est Tyron Montgomery qui réalise et photographie Quest. Thomas Stellmach en est producteur, scénariste, et a travaillé à la création de marionnettes (avec Norbert Hobrecht) et à l’animation.
(2) Le Père Frimas, de Youri Tcherenkov, a d’ailleurs reçu le Prix Anima 2014 du meilleur court métrage, catégorie films pour jeune public (Jury Radio Bobo).
© Image de présentation : La Bûche de Noël (2013), de Vincent Patar et Stéphane Aubier, qui a remporté le prix de la SABAM (Société belge des auteurs, compositeurs et éditeurs) lors de cette édition d’Anima 2014.
